Les Heures Sauvages #2 - En Cyberespace # 25 Arts Seconde

Les recherches curatoriales d’Andy Rankin s’orientent à la croisée des pensées effondristes, eschatologiques et spéculatives, tout en s’intéressant particulièrement aux imaginaires liés aux désastres. Qu’il s’agisse d’un tremblement de terre reproduit de manière théâtrale, d’une exposition en poudre rappelant la finitude de toute chose ou d’une exposition mobile planquée pour un monde post-apocalytique, ses projets naissent avant tout d’une envie de se glisser dans des interstices de futurs possibles et d’expérimentation du format de l’exposition.

Claude Cattelain
1972 - Naît à Kinshasa
1999 - Démonte le châssis de ses toiles.
2000 - Réalise des constructions instables en bois.
2001 - Achète une caméra pour filmer ses échecs.
2004 - Fait sa première performance publique non préméditée. 2005 - Se suspend dans le vide.
2006 - Tourne sur lui-même de plus en plus vite.
2007 - Élève une colonne de blocs en partant du plafond.
2008 - Avance sur une ligne de blocs instables.
2009 - Réalise une vidéo par semaine pendant 65 semaines. 2010 - Dessine le contour de son corps avec la flamme.
2011 - Marche sur place dans le sable et s’y enfonce.
2012 - Élève inlassablement une structure instable.
2013 - Enfonce un piquet de sa taille dans le sol.
2014 - Marche sur place en comptant ses pas.
2015 - Repousse les vagues à l’assaut du rivage.
2016 - Tente de retenir le sable dans ses mains.
2017 - Superpose de grandes planches plaquées contre les murs. 2018 - Jette des poutres de bois sur le sol.
2019 - Recouvre son atelier de terre crue.
2020 - Laisse nager des poissons dans sa bouche.
2021 - Etend et cuit de l’argile issue d’un étang.
2022 - Finis et recommence ailleurs

Jessica Bardsley est une artiste-chercheuse américaine travaillant avec le cinéma, l’écriture et la pratique d’atelier. Ses films ont été projetés aux États-Unis et dans des festivals comme CPH:DOX, Sundance, Visions du Réel, EMAF, RIDM, True/False et sur la chaîne Criterion. Elle a obtenu différents prix, dont un Princess Grace Award, un grand prix à 25FPS, le prix Eileen Maitland au Ann Arbor Film Festival, le prix du meilleur court métrage à Punto de Vista et de nombreuses bourses du Harvard Film Study Center. Son premier long métrage, The Cave Without a Name, a été finaliste pour le Cinema College de la Biennale de Venise 2022-2023.

Ses recherches et ses écrits ont été soutenus par le Radcliffe Institute for Advanced Study, la Terra Foundation for American Art et la Henry Luce Foundation/American Council of Learned Societies. Elle a obtenu un doctorat en études cinématographiques et visuelles de l’Université Harvard et un M.F.A. de la School of the Art Institute de Chicago. Elle est professeure adjointe de cinéma expérimental et de médias à la Tisch School of the Arts de NYU

Julie Vacher met en scène les processus de transformation en jeu dans les rapports humains et non-humains, et entre les vivants et leurs environnements à l’ère où se côtoient le physique et le virtuel. Le champ de ses expérimentations touche à l’imaginaire écologique, au fantasme sanitaire ou encore à l’univers du travail. Son travail prend la forme de films, d’installations sonores et multimédia, de création web et radiophonique. Au travers d’une écriture poétique qui s’appuie sur le réel, ses récits hybrident le naturalisme et la synthèse, le documentaire et le spéculatif. Diplômée du Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains en 2018 et des Beaux-Arts de Lyon en 2013, son travail sonore et filmique a été présenté lors d’événements d’art contemporain et de cinéma majeurs tels que le FID Marseille (Fr), le Digital Art Festival de Taïpeï (Taïwan), le Palazzo Grassi pour Helicotrema (IT), le Salon de Montrouge (Fr), la Biennale Musique en Scène (Fr), le FRAC Poitou-Charentes (Fr), l’American Documentary Film Festival (Californie, USA), la galerie Untilthen (Fr) , le Cinéphémère – FIAC Hors-les-murs (Fr), le SNIFF (Finlande).

En 2023, elle est lauréate de la Villa Kujoyama, Kyoto (Jp).

Artiste cinéaste vit et travaille à Paris et Aix-en-Provence Films en distribution à Light Cone.

Jérôme Cognet explore le support film autant que le cinéma et son histoire, en se situant là où « Il n’y a aucun témoignage de la culture qui ne soit également un témoignage de la barbarie » (Walter Benjamin). Ses films résonnent avec ce qu’on ne peut pas voir autrement que par l’image, du visible ou de l’invisible.

Gaya Goldcymer

L’artiste-plasticien Hans Op de Beeck vit et travaille à Bruxelles, où il a construit sa carrière au cours des vingt dernières années à travers des expositions internationales. Son œuvre se compose de sculptures, d’installations, de vidéos, de photographies, de films d’animation, de dessins, de peintures et d’écrits (nouvelles). Sa quête de la modalité la plus efficace pour véhiculer la teneur concrète de chaque œuvre détermine le média pour lequel l’artiste opte au bout du compte. L’échelle peut varier d’une petite aquarelle à une installation tridimensionnelle monumentale de 600 m2. Outre une large variété de médias, l’artiste fait délibérément usage d’une grande diversité de formes esthétiques, allant d’un langage visuel économe, minimaliste à des créations surchargées, exubérantes, dans un souci constant d’articuler le contenu de l’œuvre avec le plus de précision possible.

(…) Hans Op de Beeck est un créateur d’intermondes. Ses œuvres, suspendues entre passé et futur, fiction et réalité, sondent un univers contemporain aux allures de mirage, vertige sensoriel où le familier côtoie l’étrange. Nourri de littérature et de cinéma, l’artiste incarne ses visions dans un modèle combinatoire et scénographique. De l’installation à la sculpture, de la vidéo au film d’animation, de l’écriture de nouvelles à la peinture et au dessin, de la photographie à la matière sonore, les médiums qu’il emploie semblent tous converger vers la définition d’un topos : un théâtre mental, qui projette le spectateur dans une expérience réflexive, sociale et culturelle, pensée intime de la condition humaine.

Eva Prouteau

Edith Dekyndt est née en 1960 à Ypres en Belgique. Elle vit et travaille à Bruxelles et à Berlin. Elle est représentée par la Galerie Greta Meert à Bruxelles, la Galerie Carl Freedman à Margate (UK), la Galerie Konrad Fischer à Berlin et la Galerie Karin Guenther, Hambourg. Le travail d’Edith Dekyndt a été exposé dans des institutions et expositions internationales.

Ses œuvres sont présentes dans des collections publiques et privées telles que le Centre Pompidou, Moma (New York), Köln Skulptur Park (Allemagne), Crandford Collection (Londres), Albright-Knox Collection (New York), Centre national des arts plastiques (Paris), Fondation Pinault (France), Buffalo Museum, USA, Cadic Collection (Pays-Bas), FRAC Picardie, Lorraine, Bretagne, Pays de la Loire, Alsace, Franche Comté et Réunion (France), Province du Hainaut, Collection Fédération Wallonie-Bruxelles et la Collection d’art flamand en Belgique.

Edith Dekyndt a été artiste en résidence au Banff Centre for Arts, Canada, 2004, University of Manitoba, Winnipeg, Canada, 2006, Program Gallery, Berlin, 2007, Frac Réunion, France, 2009, University of Nijmegen, Netherland, 2011, Université de Hasselt, 2012, Akumal Artist Residency, Mexique, 2012 Ne’-Na Artspace, Chiang Mai, Thaïlande, 2013 et 2014, DAAD Künstlerprogramm, Berlin, 2015-2016, Fondation Pinault, Lens, 2017. En 2019, elle reçoit le Prix d’art Finkenwerder.

Né à Naples en 1967, Francesco Jodice vit à Milan. Après des études d’architecture, depuis 1995, à travers la photographie et la vidéo, il explore la ville, le paysage social, les phénomènes anthropologiques urbains. C’est notamment le cas dans la trilogie cinématographique Citytellers et dans sa sé- rie The secret traces. Ses projets visent à construire un terrain d’entente entre l’art et la géopolitique. Il présente la pratique artistique comme une forme de poétique civile. Enseignant à la Nuova Accademia di Belle Arti à Milan, il a également compté parmi les fondateurs des collectifs Multiplicity et Zapruder. Francesco Jodice a participé à de grandes expositions collectives telles que Documenta, la Biennale de Venise, la Biennale de São Paulo, la Triennale de l’ICP à New York, la 2e Biennale de Yinchuan, et a exposé son travail au Castello di Rivoli (Turin), à la Tate Modern (Londres) et au Prado (Madrid). Ses œuvres les plus récentes — Atlante, American Recordings, West et Rivoluzioni — explorent l’avenir du monde occidental.

Francis Alÿs (belge, né en 1959 à Anvers) est un peintre et un artiste conceptuel, surtout connu pour ses performances de grande envergure qui abordent les thèmes sociaux et politiques liés à l’environnement urbain. Alÿs étudie l’architecture à l’Institut d’Architecture de Tournai en Belgique et à l’Istituto Universitario di Architettura de Venise, où il obtient son diplôme en 1986. La plupart de ses œuvres se trouvent à Mexico City – il y vit pendant plus de 20 ans – notamment son projet Sometimes Making Something Leads to Nothing (1997), pour lequel il traîne un bloc de glace à travers les rues de Mexico City jusqu’à ce qu’il fonde. Alÿs cherche à créer des métaphores de corps en mouvement. Pour When Faith Moves Mountains (2002), Alÿs, aux côtés de 500 volontaires, tente en vain de déplacer de 10 cm. une dune de sable près de Lima au Pérou. En 2005, dans le cadre de son projet The Green Line, Alÿs traverse Jérusalem avec une boîte dont s’échappe de la peinture verte, en suivant la ligne créée lors de l’armistice après la guerre israélo-arabe en 1948. Il travaille la vidéo, la peinture, le dessin et la photographie. La série Le temps du sommeil (1995) est composée de petites peintures qui font écho aux projets à grande échelle et renforcent la qualité onirique qui caractérise l’ensemble de son travail.

Le travail d’Alÿs est exposé dans des institutions telles que la Tate Modern de Londres et le MoMA de New York et il participe aux Biennales de Venise en 1999, 2001 et 2007. Il est représenté par la galerie David Zwirner à New York et la galerie Peter Kilchmann à Zürich.

Il vit et travaille à Mexico City.

Depuis ses études à la Villa Arson dans les années 90, Michel Blazy travaille avec des matériaux organiques et s’intéresse à la beauté de la décomposition et aux possibilités poétiques du temps qui passe, car il laisse ces matériaux se détériorer au cours de leurs présentations. Jusqu’à présent, le répertoire de l’artiste comprend une grande forme de champignon faite entièrement de nouilles de soja, des sculptures faites de moitiés d’orange pressées, des peintures de purée de pommes de terre et de betteraves, des peintures de pizza et des sculptures de pâtes, ainsi qu’une grotte sculpturale sur laquelle des haricots mungo ont germé et poussé pendant la période d’exposition. En ouvrant l’environnement contrôlé du musée à l’imprévisibilité des processus naturels, en créant ainsi une expérience multi-sensorielle et en constante évolution à mesure que ces matériaux périssables changent physiquement, les installations de Blazy encouragent le public à remettre en question les notions de répulsion et de dégoût et à repenser nos hypothèses sur la beauté esthétique.

Son travail est présent dans de nombreuses collections publiques dont le Musée national d’art moderne–Centre Pompidou, France ; le Museum of Old and New Art (MONA), Tasmanie ; le Musée d’art moderne de Paris, France ; le Nouveau Musée National de Monaco et une dizaine de fonds régionaux d’art contemporain en France (FRAC). Plusieurs expositions lui ont été consacrées : Multiverse, La Loge, Brussels (2019) ; We Were The Robots, Moody Center for the Arts, Houston, TX (2019) ; Michel Blazy, Villa Sauber, Nouveau Musée National de Monaco, Monaco/MC (2017) ; Living Room II, Maison Hermès, Tokyo (2016), Pull Over Time, Art : Concept, Paris (2015) ; Bouquet Final 3, National Gallery of Victoria, Melbourne White Night (2013) ; Post Patman, Palais de Tokyo, Paris (2007) ; CCAC Wattis Institute for Contemporary Art, San Francisco/US, curator : Ralph Rugoff (2003); Univers en expansion : Le clos des chutes : La chute des colonnes, Museo de las Artes, Guadalajara, Mexique/MX (2000) ; The life of things, Correct Contemporary Exhibitions, New York/US, invité par Heidi Zuckerman-Jacobson (1998) ; La vie des choses, ARC, Musée d’Art Moderne de la ville de Paris/FR, invité par Hans Ulrich Obrist (1997). Le travail de Michel Blazy a fait partie de l’exposition Viva Arte Viva, curatée par Christine Macel lors de la Biennale di Venezia 2017.

Olivier Sévère (1978) vit et travaille à Paris, diplômé de l’Ensba en 2002.

(…) Olivier Sévère sculpte la matière minérale pour en révéler le potentiel de singularité. Au seuil du naturel et de l’artificiel, ses œuvres jouent sur la collision entre processus physiques et imaginaires pour sortir le monde lapidaire de sa prétendue inertie. (…) Entre réalisme documentaire et naturalisme poétique, le plasticien mobilise tous les ressorts du « fantastique naturel » évoqué par Roger Caillois pour décrire l’écriture mystérieuse des pierres, dont l’aspect biomorphique contredit magiquement la nature inanimée.

Florian Gaité

Progressivement, la pierre est devenue son principal sujet de réflexion. Sur le mode de la reconstitution il lui donne corps dans une collection de fragments cristallins semblables à des minéraux, défie l’ordre naturel par la démultiplication artificielle d’un caillou, ou questionne l’origine végétale du marbre et la création des massifs montagneux dans un paysage émergent du sol de la cathédrale de Lausanne. Doucement la vidéo va s’immiscer dans sa pratique et venir étendre et prolonger ses recherches en introduisant l’image et une certaine forme de narration.

Ses expositions puis ses résidences dans un premier temps en France se développent aujourd’hui à l’étranger. En 2015 en résidence au Musée national d’art moderne et contemporain de Corée à Séoul, en 2016 en résidence à la Villa Kujoyama à Kyoto, puis en 2019 à la villa Salammbô à Tunis. Après deux dernières expositions personnelles au Musée de la Chasse et de la Nature puis au Musée du Moyen-Âge à Paris en 2017, une nouvelle exposition personnelle, Oasis, vient d’avoir lieu au Centre d’Art La Maréchalerie à Versailles ainsi qu’un duo show, mA, au Musée de l’Air et de l’Espace au Bourget suite à une double résidence avec l’artiste Charlotte Charbonnel.